Los de RockinSpain.es me han fichado, y pese a que se empeñan en enviarme artículos (de primera, eso sí) del stoner metal, a mí un inencasillable progresivo-atonal, estoy haciendo todo lo posible por mantener mi dignidad a la altura. Lo cual no es difícil porque está en la alcantarilla. Al menos esta gente me hacen más caso que los de MetalZone...

Aquí iré adjuntando las críticas que publique, dando continuidad, en la medida de lo posible, a los pensamientos, divagaciones e inquietudes melopeicas que en este blog se imprimen.

1) Orthodox - Sentencia (2009)

2) Mystic Frequency Worm - From the Top of the Sound Mountain (2009)

Pronto actualizaré este blog, tengo muchos borradores pendientes a los que poner orden. Lo prometo. De verdad.

Etiquetas: rockinspain, críticas, musicales, rubén, g., herrera, metalprogresivo, alone, records

Breve reportaje realizado para Canal Sur 2 (Experiencia TV) en junio de 2008.

Un pequeño paso para el Heavy Metal pero etc etc...

Soy de la opinión de que hay que promover el Heavy Metal en cualquier tipo de escena, contexto, lugar, espacio. El rollo contracultural del individualismo, alternativismo, el encerramiento a lo Kurt Cobain, el concepto romántico del artista, se lo dejo a otros. Decían, Joseph Heath y Andrew Potter en Rebelarse vende (2005):

«No existe la música alternativa, ni el circuito convencional, ni la relación entre música y libertad, ni el concepto de venderse a las multinacionales. Lo único que existe son las personas que hacen música y las personas que oyen música. Y cuando la música que hace es buena, la gente quiere escucharla. Por tanto, ¿de dónde procede el concepto de “lo alternativo”? ¿de que hay que ser poco popular para ser auténtico?»

No estoy del todo de acuerdo con la cita, pero no deja de resultar significativa...

Etiquetas: Heavy, Metal, Sevilla, Experiencia, TV

Dos ejemplos significativos del enfrentamiento a la grabación de un disco de calidad:

- Suspyre: When Time Fades (2008) EE.UU.

- DGM: Different Shapes (2007) Italia

Selecciono estos dos momentos intrahistóricos que la era digital nos permite gozar, entre otras cosas, porque son dos de mis bandas favoritas. Me gustan porque plasman el agotamiento del estudio, pero también, los guiños anecdóticos (un pato de peluche en un perchero, la novia que graba paciente e ilusionada, las cervezas en la papelera...). Elijo estos dos videos, entre miles existentes en Youtube porque ejemplifican cómo se forja el metal hoy en día (oish). No hace falta conocer las bandas ni las canciones, son entrañables per se.

El proceso artístico consiste en una serie de hitos: Intuitivos e Intelectuales, que van desde la idea hasta la realidad material, la realización de esa idea. La obra final es resultado de un proceso extenso, en el que resolver problemas intelectuales y técnicos constantemente. Esto provoca: sentimientos satisfactorios, pero también FRUSTRACIÓN. No obstante, la ansiedad es positiva para la creatividad.

Kant dijo: «El artista no debe someterse a la reglas establecidas por la tradición y aplicarlas con mayor o menor maestría. Sino que él mismo debe dar las reglas a su propia creación».

Progarchives de Suspyre

Progarchives de DGM

Aunque incluso en estos aspectos, algunos son los reyes absolutos:

Joder John Petrucci, lo quieres tú to, ¡deja algo a los demás!

Etiquetas: DGM, Suspyre, En, el, Estudio, Creación

En una primera etapa de la mentalidad artística, la creación musical es algo puntual que exige más de la intención que de la interpretación, más interacción que intuición. El compositor se recrea, verifica que está disfrutando de ese momento de lucidez, y, si no existe, lo simula. Porque autolucidarse no es malo (al menos, para los que no somos unos genios, sino currantes, no lo es), sólo crea un contexto físico-mental que ayudará a la fluidez futura. El artista nace cuando es capaz de asumirse a sí mismo dentro de un ente abierto, sin localizarse en él, pero sintiéndose integrado. O dicho de otra manera, las cadenas las ponen los géneros y las pautas. La falacia de la especialización musical. Como si ambas palabras pudiesen ir juntas…

Sin embargo, de la idiosincrasia a la parafernalia sólo hay un pequeño trecho.

Me pregunto si hay alguien que sea capaz de disfrutar sin ápice de variación, una discografía, cualquiera. Los 12 álbumes de estudio de Helloween, los 15 de Iron Maiden, los 17 de Running Wild, 18 de Judas Priest, 19 de Rage, 20 de Black Sabbath, 21 de Uriah Heep (mis respetos)… ¿Dónde acaban los límites de la “evolución”, de un estilo? Es la tragedia de la cultura epigonal (el “venir de”, la evolución lineal), el progreso amputado por la conducta unidireccional de un estilo artístico. Imitar por imitar.

Gigatron se reía de los heavys y sus estereotipos, haciendo de la música, el mismo medio de divulgación de esos tópicos. Y así, Mar de Cuernos es uno de los mejores discos de heavy metal en este país. Es mejor ser un payaso dentro un circo que fuera de él.

Pero a lo que iba: la creación musical de verdad: La expresión inicial se agota rápido; de vanguardia como tal ni hablemos, y el carácter melopéyico no es un estado puro y permanente de genialidad. Es más un destello que una catarata. Un hilo que se destensa con el tiempo, a causa de eso que tanto daño hace a la originalidad, y que denominamos “estilo”. El estilo propio es el recurso fácil, el colchón mental, el acomodamiento del artista. Del artista y de su audiencia por supuesto, ya que pocos oídos se recrean en el desasosiego de no tener certeza de qué va a oír. La curiosidad es otra inestable.  

En el contexto de la música urbana, todo intento de producción musical se convierte en una funcionalización sistemática, instantáneamente. Es decir: cada vez todo suena más a lo mismo, porque así se demanda, porque así se hace demandar.

La intuición se ve demacrada, y con ella el carácter genuino intrínseco, el concepto romántico, el idealismo más rancio incluso (por qué no), como si ya de por sí el arte no se viese gravemente damnificado cualitativamente, con la reproducción masiva de los formatos en que se hace físico. Es decir, y parafraseando a Walter Benjamín, su reproductibilidad técnica cuantifica el producto pero le hace perder autenticidad. Pero esa pérdida no sólo la sufre el producto musical (llamémosle ya así, dejándonos de magnanimidades) en su proceso de mercantilización, sino en la interiorización de los artistas. Éstos tienen cada vez concepciones más similares de lo que es la obra de arte.

Procrastinación, automatismo creativo: son los grandes males que crea el arte unido al mercado. Intemperancia cataclísmica.

Pienso que no es tanto la simplificación, la pérdida de referentes u otras críticas apocalípticas de la Escuela de Franfort, sino, por ejemplo, esa necesidad vinculadora de mantener un hilo conductor en la obra. ¿POR QUÉ? Una cosa es el leitmotiv, y otra la repetición de lo que funcionó, como el payaso que repite el mismo chiste, o el escritor de novelas de terror que utiliza el mismo molde. Solo que el músico nunca tendrá un apoyo de la audiencia tan asegurado como payasos y escritores. El músico debe asumir el peligro del estilo, porque toda comodidad nos hace descuidarnos.

Si la fórmula creada tiene éxito (cuantitativa y cualitativamente), ¿por qué no probar otra distinta? ¿Por qué ser empalagoso en la obra musical? ¿Por qué no probar el agridulce?

Luc Lemay, vocalista y guitarrista de Gorguts: «music is a language. Everybody takes the model..uh? that is like everybody is speaking with the same words.. bah, boring... CREATE YOUR OWN LANGUAGE».

En definitiva... el Heavy Metal funciona bien como corriente artística. Tienen un gran capital cultural, vende y a la vez funciona subversivamente.

Pero también una estratificación complejísima, fruto del extenuante pluralismo del que goza como ninguna otra escuela de rock (los intelectuales más avispados como Arturo Pérez Reverte intentan en vano entender un 1% de su contenido), y la adaptación de éste a diferentes territorios, culturas, lenguajes, modos, modas, lecturas…

Texto relacionado: La Tragedia de la Cultura Epigonal: Alberto Benegas Linch

Etiquetas: Creación, Estilo, propio, Discografía, Composición, Epigonal

Mi intemperancia cataclísmica hace que al revisar mis pasos, sólo vea errores. Eso me encanta. Sin embargo todo este blog es egoista y pretencioso. Al borde de tirar por tierra este proyecto de blog idealista, por falta de opiniones compartidas, encuentro algo que, sin guardar mucha relación, me hace entrar de nuevo en mi dinámica de ensayo-semiología-música:

Muchos nos preguntamos qué sucede “cuando la música cruza la frontera digital”. Cuando menos, se intuyen evidentes muestras de cambio, en aspectos culturales, sociales, en los propios estilos, géneros… Las nuevas posibilidades de la percepción musical en parte son consecuencia de la innovación tecnológica. En parte, pero no existe un determinismo tecnológico tan feroz como muchas veces creemos. Son pautas socioculturales las que son mucho más directamente incipientes en la evolución del arte y la expresión.

José Luis Campos García nació en México en 1961. Es profesor en el Departamento I de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Sevilla. Es músico, compositor, y participó en el grupo de rock Trolebús.

Cuando la música cruzó la frontera digital se ha publicado este mismo año y es una gran experiencia compartida del autor sobre la música.

Lo más interesante: Sin duda la aportación más llamativa me parece el concepto de que la música  no es una simple percepción sonora. Que supera este nivel sensorial, y alcanza experiencia fisiológica. 

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Os dejo con él, y con su bibliografía, en varios puntos que me han parecido interesantísimos:

1) «La música como discurso tiene el poder para convocar ideas más allá del alcance de los conceptos definidos o de las intuiciones fenoménicas. Por eso, la música puede, aludiendo a Lyotard, dar un paso más allá del discurso autoritario de la razón ilustrad y la disposición a aceptar los diversos juegos de lenguaje que constituyen la disensión sociopolítica posmoderna».

2) ¿sabemos qué alcances tiene la composición musical en la transformación de la sociedad?

Christopher Smal - Música. Sociedad. Educación. (1989).

3) El RETO: EL reto sería logar un ángulo que en lugar de separar nos permitiera integrar la dimensión cultural y tecnológica de la música, de tal forma que podamos aproximarnos a su naturaleza simbólica y material. Por ello, el papel de la música actualmente no es el mismo que el de hace un siglo o el de hace 20 años, porque además de ser un medio para percibir el mundo en movimiento, la música es un instrumento de conocimientos siempre en interacción con distintas realidades.

4) El trabajo artístico modifica cualitativamente su valor cuando se establecen diferentes métodos de reproducción técnica masiva.(Tomado de Walter Benjamin).

5) El problema al creer en el determinismo tecnológico en la música es que la música se vuelve un "mero relato instrumentalista" que simplifica la relación entre estética y tecnología.

6) Vende bien la obsesión por lo rebelde y lo opuesto a la sociedad, en alianza con una estética de la "sinceridad expresiva". Es algo que suele ser comercializado en casi todos los países occidentales y desde hace mucho tiempo, y es este fuerte componente económico el que logra que las músicas "jóvenes" terminen por convertirse en modelos culturales al promoverse como insturmentos de mediación identitaria para las minorías o para los que quieren sentirse "distintos".

Jacques Attali - Ruidos. Ensayos sobre la economía política de la música (1995).

7) Otro planteamiento interesante es el proceso de informatización y reconversión industrial: reorganizando campos culturales y nuevas estructuras y modelos de producción: nuevos formatos de consumo musical: eliminación de los soportes físicos; nuevo universo cultural del campo musical, alterado por la era Multimedia. ¿Estamos ante un periodo de ebullición (que diría Allan Moore) de la cultura musical?

8) Internet no es ni será más que otro canal de expresión, producción y distribución de la música. Un medio democrático de emancipación y autopromoción de los artistas.

Grandes reflexiones, gracias a este libro. Os lo recomiendo.

Cuando la música cruzó la frontera digital. Editorial Almagro, Madrid, 2008.

Etiquetas: José, Luis, Campos, García

«Mi guitarra es la medida de toda las cosas»

La democratización de la cultura musical nos ha permitido readaptar esta a nuestros intereses, modos de acceso, o gustos. A modo de sinécdoque, “la guitarra ha vencido al violín”. Esta evolución instrumental dice mucho de la concepción electrónica moderna. Pero este avance técnico no se queda en lo formal. Nos hemos vuelto más “guerreros” con una guitarra que con un violín. Somos más abstractos.

 Escribe Claudio Monteverdi en su introducción a Madrigales guerreros y amorosos:

 «(...) Yo apliqué por primera vez la determinación "guerrera" en la música. Seguía con ello a las enseñanzas de Platón... Pero... buscaba una determinación para la "ira"...

Hasta ahora se había conseguido solamente expresar dos clases de sentimientos

con la música: la gracia del amor y el frío de la ausencia de los sentimientos».

Hasta la segunda mitad del siglo XX, expresiones como la ira, agresividad, odio, o simplemente la fuerza, el estatus, el poder, sólo tenían un medio de expresión musical: la orquestalidad. Pienso, aunque tal vez erróneamente, que el rock dio una nueva posibilidad a la expresión pura de la música.

Ya somos capaces de expresarlo todo. Pero, ¿entendemos lo que estamos haciendo o sólo lo intuimos? ¿Conocemos las formas y las maneras de proceder?

Algunas variantes en la terminología musical de uso común fallan: Resulta ambiguo hablar de conceptos amplios como “progresivo”, pero también innecesario que cada grupo se obceque en buscar su propia denominación genérica, del tipo Zeuhl Rock de Magma, Metal Onírico, o esas excrecencias que se ven por ahí, como “Dark Power progressive symphonyc folk”.

 La parcela “metal progresivo” hace referencia al heavy metal que desarrolla sus conceptos musicales de manera gradual, no cíclica, y bebiendo de la evolución que siguió el rock, hacia complejidades e individualismos que en realidad no son propios de una música que parte del ambiente y contexto urbano. Una dualidad en tensión. El relativismo de la cultura posmoderna ya no nos permite ni nos permitirá nunca más hablar con tranquilidad de géneros exactos, ni de cuestiones absolutas.

 ¿Mägo de Oz metal progresivo? Desde hace dos años, en prograrchives.com sí. A tomar por culo toda lógica de organización en bases de datos por Internet. Sobre todo si son Wikis. El wiki o software de colaboración para la creación colaborativa es genial. Pero dispersa esos “umbrales de duda” entre géneros, y la exactitud se pierde en la lontananza. Eso, aplicado a la red mundial, supone hablar de mezclar perspectivas contrapuestas, blancas y negras, pero no se dan grises. Y así, todo grupo que utilice recursos recargados en una canción, será denominado y señalado como progresivo, y añadido en cientos de bases de datos. Que locura… ahora entiendo eso de “Internet traerá nuevas formas de incultura”.

 También hay que distinguir entre virtuosismo y progresivismo. Casi siempre están de la mano, pero no tiene por qué. Ni el heavy metal ni el progresivo tienen por qué ser virtuosos. Pero les gusta ir por ese camino. Hay grupos que son tan sumamente virtuosos que ya se habla de progresivo, pero la frontera no se rompe con 300 semicorcheas por segundo. Dragonforce no es progresivo: entre otras cosas, porque utiliza estructuras simples. Es virtuosismo dentro de una estructura simple. De igual manera que El Greco no era barroco por muy oscuro y manierista que fuese.

 Se oyen otras bobadas retóricas como que Dream Theater es “cuando Iron Maiden conoce a Genesis”. La afirmación no es ninguna locura, pero… queremos ser tan concretos ante algunas cuestiones, y no ante otras, que decimos tales aberraciones. ¿Pero qué coño nos creemos? Ya puestos, cada grupo que reúna las peculiaridades sonoras que le hacen único, podría ser un género, subgénero o protogénero en sí. ¿no?

No estoy de acuerdo con semejantes actitudes. Para mi Dream Theater es metal progresivo, y asumo todos los errores de imprecisión que sustenta esa afirmación. Lo es por lo que ha llegado a ser.  

Luego existe otra dualidad, no menos dañina: Heavy Progresivo y Metal Progresivo. El primero es más hard-rock, el segundo es más virtuoso. Uno más cargante, el otro más cargado. Esto tiene más sentido, pero es de locos para locos.

En definitiva, al progresivo se le da muy bien retomar la orquestalidad del XIX, actualizar el clasicismo desde los instrumentos eléctricos y electrónicos, o resucitar compases de corchea como el 5/8, 9/8, 11/8, pero, está claro, la Teoría de los Géneros, no se le da nada bien. Bueno… ¿y a quién, dentro del rock?

Este artículo pretende paliar vuestras infinitas discusiones con los amigos en bares, foros, locales de ensayo… sobre qué grupo hace qué estilo de música. Y probablemente nunca os pondréis de acuerdo.

 En resumen, este pantagruélico texto no es más que para sostener una cosa: que el progresivo no es una manera de sonar, es una forma de ser. Y no lo pienso por darme el gusto de… dar trascendencia a algo a lo que dedico mi tiempo en este blog, sino por todo lo anteriormente dicho. Por cuestión de sonoridad, es muy difícil ponerse de acuerdo.Es como si clasificásemos la pintura según sus colores, o la poesía según las putas letras.

Casi sería más interesante hablar de categorías estéticas.  Y si lo hacemos, podríamos afirmar que el progresivo prototípico es un nuevo esteta musical, un sublime histérico. Y por supuesto, no abunda, ni es claramente señalable, está difuso. Podría hablarse de una nueva vanguardia, pero ya sobre todo para aquellos que elaboran Metal Extremo, Death Metal…

 Si alguien no entiende qué demonios mueve a una persona a cultivar estas artes, léase la siguiente cita:

Sigmund Freud, Lo Siniestro:

«mucho de lo que sería siniestro en la vida real no lo es en la poesía

(o en el arte en general); además, la ficción dispone de muchos medios

para provocar efectos siniestros que no existen en la real».

 Esto parece evocar a la categoría de “Evasión”. Arte por evasión. Pero hablamos de Vanguardia. Evasión y Vanguardia entran en este submundo musical, y se dan la mano.  ¿Acaso el death metal no es evasión y vanguardia? ¿No es una paradoja? No sé...

El metal progresivo no está exento de mensajes sociales comprometidos. Mensajes cargados de poesía, ilusión o conciencia, pero también abstracción, crudeza, realismo... Lo que muestro ahora son dos corazonadas con mucha madurez, buena producción, y mejores intenciones. Dos canciones que, casualmente, me han llenado dos épocas vacías del último año. El sentimiento vertido en estas canciones rebosa por todas partes.

 Beneath the Waves - Ayreon (2008) (bajo las olas)

http://es.youtube.com/watch?v=VYEzZyLyzlM

 The Human Stain - Kamelot (2007) (la mancha del ser humano)

http://es.youtube.com/watch?v=4n3LobCY5HE

En Sevilla, Evassion publicó Gritos de la Tierra, alegato de tendencia ecologista. Pero también, muy cerca de aquí, los malagueños Abyss en 2004 publicaron Sin Ángeles, disco inundado también un claro matiz humanista, con canciones como A Costa da Morte.

Sin embargo, pocas veces se llega a la madurez de la expresión reivindicativa de la música, como con los dos ejemplos citados.

...Cause it hurts to be alive, my friend,

In this masquerade where all one day must die...

Etiquetas: Ayreon, Kamelot, Desarrollo, Sostenible, Ecología

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Adagio es una pieza musical cuyo tempo es lento. Generalmente se llama así al segundo o tercer movimiento de una sinfonía o un concierto. Es un movimiento musical tenue, cargado de misticismo, para ilustrar un ambiente calmado pero decadente. Considerado de una extraordinaria elegancia, y de un carácter sumamente lírico.
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La banda gala de metal progresivo Adagio hace honor a su nombre.

El número de registros sonoros de esta banda aumenta con Dominate, disco publicado en 2007. Si ya mezclaron en Underworld (2003) neoclasicismo y barroco; pasajes sinfónico-corales con las más oscuras tramas de piano que colapsan la tonalidad; registros altos y cantos melódicos con death growls o voces guturales… Vuelven ahora dispuestos a dar más.

Y ese es el principio de la genialidad de Stephan Forté: la variedad. Un nombre que deberíais memorizar si no lo conocéis. El líder, guitarrista y compositor de Adagio, es uno de los más originales músicos del progresivo de nuevo siglo. Stephan es un heredero de los primeros dilucidadores de la música tonal, como Wagner, Liszt, las tensiones tonales de Mahler, o los innovadores rusos como Mussorsgsky, Borodin o Rimski-Korsakov, sin llegar al dodecafonismo de Schoenberg (no todo esbozo atonal es dodecafónico). Un músico contemporáneo de primera que decidió adentrarse en la selva negra del rock.

Pese a todo, Adagio no utiliza o explota todo lo dicho, pero sí lo asume. Y se asume al escucharlos. De igual manera, consigue crear un puente entre el progresivo y el death metal como pocos han hecho (Lanfear ha introducido voces guturales con no muy buenos resultados, Rhapsody abandonó aquel sonido tempranamente…, Isis juega con ello también… son ejemplos mil, pero Adagio, el más significativo, pienso).

Dicha cualidad de Stephan por la variedad musical también es a veces negativa, por la dispareidad de matices que se han introducido en Dominate. Me explico: Fire Forever, primera canción del disco, no es propia de esta banda. Pero es una pieza brillante de Power Metal, que no está carente de una lectura humorística (escuchad este archivo haciendo clic para descargarlo)... Poniéndome de nuevo serio, concluyo que este track es más digno de Angra o Helloween que de Symphony X, grupo con el que a menudo les comparan. Fire Forever gusta, pero no encaja, por mucho que lo queramos. Y siendo el primer corte de Dominate, establece ideas falsas sobre el verdadero carácter del álbum, el cual por cierto, me parece el mejor hasta la fecha de la banda, opinión con la que muchos no están de acuerdo. Esperamos que, de una vez, Adagio se consagre como banda.

Stephan, Kevin, Gus, Franck y Eric son la actual formación, pero desde 1997 han pasado músicos como el batería Dirk Bruinenberg (Elegy), el vocalista David Readman (Pink Cream 69) o incluso Richard Andersson (Time Requiem) para la grabacón de Sanctus Ignis.

Este artículo se publica a falta de muy poco para la llegada de Archangels in Black, próximo disco de Adagio. Y seguramente deje muy claro quién está imponiendo las normas en Francia en torno al progressive metal. Yo al menos espero que mantengan esa esencia de "armonía suspendida".

Pero, ¿Qué otros grupos tenemos allí? No demasiados, aunque comparado con España, nos resulta envidiable. Podrían enumerarse las siguientes:

- Alkemyst: Una nueva promesa (oficial desde 2003) que a muchos encanta. http://www.myspace.com/alkemystmusic. Es un power-speed que no busca (ya lo harán) la innovación del sonido.

- Anthropia: No termino de cogerles el gustillo. Les falla la producción, la música se hace una bola.

- Enneade: MySpace. Tienen una página web diseñadísima (http://enneade.free.fr). Su caos interno cuesta un poco, como le pasa a muchas de estas bandas, cuyo carácter se define por sonar a lo que ya existe.
- Hyskal: MySpace. Elegancia y fuerza. Y EN LA LENGUA MATERNA, nada de inglés. Por fin los franceses oyen algo con un sonido puramente propio. Muchos deberían tomar nota.

- Lalu: Oníric Metal (2005): Encasillarlos en el Metal Progresivo como se tiende a hacer me parece un error. Su nombre hace referencia a un pseudogénero al que esta banda parece adjuntarse. Pero suena más a heavy metal manierista, que a progresivo “onírico”. En cualquier caso, el pianista Vivien Lalu, y otros grandes músicos (excomponente de Devin Townsend Band, Ryan Van Poederooyen, y Russell Bergquist, de Annihilator), pretenden dar una vuelta de tuerca más.

- Lord of the Mushrooms. Seven Deadly Songs (2005). Es curioso que con ese nombre, este disco contenga 10 tracks. Cada uno refleja un sentimiento. Suena más techno. En su MySpace podéis inundaros del sonido

- Lux Aeterna: MySpace. Imposibles de encontrar fuera de España. No los busquéis en eMule. Están trabajando actualmente, y tal vez nos sorprendan.

- Manigance: Otro de mis favoritos, en la voz autóctona, y acaban de publicar (2008) Tout ce que les Gens Savent.

- Northwinds: Entre mis favoritos de Francia.
- Parallaxe: Que significa “paralaje”, término astronómico (Paralelo + Eje) para medir distancias entre estrellas. Escuchad esta banda instrumental cuando queráis relajar la mente desde un sonido envolvente, cálido, y motivacional. Relaja pero despierta. Dualidad que casi exclusivamente puede concebirse en el progresivo.
- Patrick Rondat: mítico y conocidísimo virtuoso que no necesita presentación, pues lleva décadas deleitando oídos adictos al barroquismo de su obra. No siendo metal progresivo, es imprescindible citarlo.

Ah, y desde aquí un saludo a una pequeña-gran banda: Osmosaerum. Mismo país y género.

De momento es todo. Algunos han quedado fuera, pero no pertenecen exclusivamente al metal progresivo: como Aabsinthe, Dirge, Gojira, Year of No Light, Carcariass...Muchos otros permanecerán morando en la oscuridad para siempre .

Etiquetas: adagio, stephan, forte, atonalidad

En esta ocasión toca un poco de morralla teórico-semiótica sobre la música. Tragad saliva ante este artículo y pensad... ¿Teoría Comunicativa sobre la Música? No existe NADA, sólo ambiguos ensayos, breves exposiciones, y algún que otro profeta solipsista*. Una extensa bibliografía que apenas aporta mucho. Dice Gerard Vilar (profesor de Estética y Teoría de las Artes en Barcelona), refiriéndose a esto:

«Como un chimpancé hojeando La Divina Comedia, el filósofo se rasca la cabeza y el sobaco sin conseguir apenas algún resultado más allá de cuatro obviedades y lugares comunes».

Si queremos hablar de autores contemporáneos sobre esto, y lo haremos aquí, habría que comenzar por Theodor Adorno escribió Sobre la música en 1978, entre otros proyectos e intentos de entender el arte más irracional y alejado de lo lógico y lo inteligible. Filosofía y Música son dos objetos que no distan demasiado uno del otro en la forma de comprenderse ambos. Y Adorno era un experto en ambas entidades histórico-sociales. Pese a que no utilizaba la herramienta del lenguaje tanto como mecanismo de comprensión sino de distinción (para ponerse en un plano superior de pensador e intelectualote), Adorno era un puto genio.

¿Es la música, dentro de todas las artes, el vehículo más directo y "puro" en la búsqueda de la trascendencia hacia un plano supraterrenal, hacia la transmutación de valores metafísicos o hacia alguna esencia humana? ¿Es la música acto y reflejo de las máximas y las mínimas expresiones humanas? o ¿Es un "misterio indescifrable de la cultura humana"? Esto último no, para Adorno. Simplemente, es una forma de conocimiento no discursivo, con una gran carga mimética*, y con otra carga de abstracción momentánea. O según él:

«A la música que hoy pretenda legitimidad se le debe exigir lo que podríamos llamar un carácter cognitivo». «La música de entretenimiento planificada industrialmente [...] son productos culturales que traicionan o atacan directamente a la libre individualidad.

La música es una expresión distinta a otras artes, no en términos de superioridad, sacralizad, capacidad o expresividad, sino sencillamente de otro plano, de otro lenguaje al que, en culturas como la nuestra, Occidente, tan figurativa, representativa, tan gráfica, tan explícita, nos cuesta más conocer.

«En comparación con el lenguaje significativo, la música sólo es lenguaje en tanto que de un tipo completamente diferente. En él yace el aspecto teológico de la música. Lo que ella dice se encuentra a la vez determinado y oculto en la afirmación. Su idea es la figura del nombre divino. Es oración desmitologizada, liberada de la magia de la influencia; es el intento humano, vano como siempre, de nombrar el nombre mismo, en vez de comunicar significados».

Explicar la música en términos semiótico, matemáticos, microfísicos, sería como tratar de entender la «mera textura fenomenal de sonidos», llegando así a sólo percibir caleidoscopios acústicos.

Nada de eso.

La comprensión final de la música reside en su interpretación, por encima de lo que para otras artes resulta su ejecución.

Pero después de esto... ¿Cuál es el telos o finalidad de la música? Este nudo gordiano (...este Gordian Knot...) que no puede descubrirse bajo la mirada al detalle del analista, lo desenreda en el plato genérico y general Adorno, cuando habla de Trama Musical. Se habla en lugar de Trama, también de: Contenido musical, Expresión Difundida, Formas Sonoras Animadas... La idea de todo esto es que la música no conoce el concepto, sin embargo, ésta se halla muy cerca del propio conocimiento, de la abstracción formal y del sentimiento primitivo. Este sentido primitivo, de ritual, hipnotizador, se percibe en un doble bombo, en la imposibilidad de advertir tal cual un ‘barrido’ de guitarra, o en la simpleza cautivadora de una secuencia melódica, que nos transmuta unas emociones únicas, nuestras, incompartibles...

Por tanto se puede suponer que la pretensión de extraer ideas universales sobre Música o Conocimiento es cliché y tabú. Es un fracaso contínuo, traerse a casa lo imposible... La pertinencia musical es un resultado de su forma estética per se. Es el precio que tiene que pagar por no poder ofrecer un mensaje cerrado exacto, de carácter auténtico.

Por tanto, concluye Adorno: «Su semejanza con el lenguaje se cumple mediante su distanciamiento de él».

«El argumento apologético, según el cual en la historia de la música siempre se ha desarrollado una dimensión unilateralmente a costa de las otras, no tiene mucho peso».

La música debe ser reflexionada y compuesta hasta el agotamiento, añade el pensador americano, porque ésta se halla frente a una aporía. Una dicotomía de búsqueda de lo simple y lo complejo a la vez. El arte musical aparece en su impulso mimético y en su carácter libre de convenciones generales, como algo monadológico*.

Mientras tanto, la música nos sigue mirando con ojos vacíos... como los de una máscara maya que oculta tras de sí un conocimiento incognoscible, una realidad olvidada...

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Monadología: inventado por Leibniz: átomos formales que no son físicos, sino metafísicos. Aquí se atiende al carácter fractal de la música.

Mimesis: Imitación de la naturaleza.

Solipsismo: Creencia metafísica de que lo único de lo que podemos estar seguros es de la existencia de nuestra propia mente, y la realidad que aparentemente nos rodea es incognoscible y puede no ser más que parte de los estados mentales del propio Yo.

«La música mira con ojos vacíos a quien la escucha, y cuando más profundamente se sumerge uno en ella, más incomprensible resulta lo que ella deba ser, hasta que uno aprende que la respuesta, si es que una respuesta así es posible, no yace en la contemplación, sino en la interpretación: es decir, que sólo resuelve el enigma de la música quien sabe tocarla correctamente, como un todo. Su enigma se burla del que la contempla seduciéndolo para que hipostasíe como Ser lo que no es sino ejecución, un devenir, y en tanto que devenir humano, un comportarse».

Theodor Adorno - Sobre la Música

Descubriendo la quimera que es la música... Próximamente.

Etiquetas: Adorno, Música, ontología