«Mi guitarra es la medida de toda las cosas»

La democratización de la cultura musical nos ha permitido readaptarla a nuestros intereses, gustos y modos de acceso. A modo de sinécdoque, “la guitarra ha vencido al violín”. Esta evolución instrumental dice mucho de la concepción electrónica moderna. Pero este avance técnico no se queda en lo formal. Nos hemos vuelto más “guerreros” con una guitarra que con un violín. Somos más abstractos.

 Escribe Claudio Monteverdi en su introducción a Madrigales guerreros y amorosos:

 «(...) Yo apliqué por primera vez la determinación "guerrera" en la música. Seguía con ello a las enseñanzas de Platón... Pero... buscaba una determinación para la "ira"...

Hasta ahora se había conseguido solamente expresar dos clases de sentimientos con la música: la gracia del amor y el frío de la ausencia de los sentimientos».

Hasta la segunda mitad del siglo XX, expresiones como la ira, agresividad, odio, o simplemente la fuerza, el estatus, el poder, sólo tenían un medio de expresión musical: la orquestalidad. El rock dio una nueva posibilidad.

Ya somos capaces de expresarlo todo. Pero, ¿entendemos lo que estamos haciendo o sólo lo intuimos? ¿Conocemos las formas y las maneras de proceder?

Algunas variantes en la terminología musical de uso común fallan: Resulta ambiguo hablar de conceptos amplios como “progresivo”, pero también innecesario que cada grupo se obceque en buscar su propia denominación genérica, del tipo Zeuhl Rock de Magma, Metal Onírico, o esas excrecencias que se ven por ahí, como “Dark Power progressive symphonyc folk”.

 La parcela “metal progresivo” hace referencia al heavy metal que desarrolla sus conceptos musicales de manera gradual, no cíclica, y bebiendo de la evolución que siguió el rock, hacia complejidades e individualismos que en realidad no son propios de una música que parte del ambiente y contexto urbano. Una dualidad en tensión. El relativismo de la cultura posmoderna ya no nos permite ni nos permitirá nunca más hablar con tranquilidad de géneros exactos, ni de cuestiones absolutas.

 ¿Mägo de Oz metal progresivo? Desde hace dos años, en prograrchives.com sí. A tomar por culo toda lógica de organización en bases de datos por Internet. Sobre todo si son Wikis. El wiki o software de colaboración para la creación colaborativa es genial. Pero dispersa esos “umbrales de duda” entre géneros, y la exactitud se pierde en la lontananza. Eso, aplicado a la red mundial, supone hablar de mezclar perspectivas contrapuestas, blancas y negras, pero no se dan grises. Y así, todo grupo que utilice recursos recargados en una canción, será denominado y señalado como progresivo, y añadido en cientos de bases de datos. Que locura… ahora entiendo eso de “Internet traerá nuevas formas de incultura”.

 También hay que distinguir entre virtuosismo y progresivismo. Casi siempre están de la mano, pero no tiene por qué. Ni el heavy metal ni el progresivo tienen por qué ser virtuosos. Pero les gusta ir por ese camino. Hay grupos que son tan sumamente virtuosos que ya se habla de progresivo, pero la frontera no se rompe con 300 semicorcheas por segundo. Dragonforce no es progresivo: entre otras cosas, porque utiliza estructuras simples. Es virtuosismo dentro de una estructura simple. De igual manera que El Greco no era barroco por muy oscuro y manierista que fuese.

 Se oyen otras bobadas retóricas como que Dream Theater es “cuando Iron Maiden conoce a Genesis”. La afirmación no es ninguna locura, pero… queremos ser tan concretos ante algunas cuestiones, y no ante otras, que decimos tales aberraciones. ¿Pero qué coño nos creemos? Ya puestos, cada grupo que reúna las peculiaridades sonoras que le hacen único, podría ser un género, subgénero o protogénero en sí. ¿no?

No estoy de acuerdo con semejantes actitudes. Para mi Dream Theater es metal progresivo, y asumo todos los errores de imprecisión que sustenta esa afirmación. Lo es por lo que ha llegado a ser.  

Luego existe otra dualidad, no menos dañina: Heavy Progresivo y Metal Progresivo. El primero es más hard-rock, el segundo es más virtuoso. Uno más cargante, el otro más cargado. Esto tiene más sentido, pero es de locos para locos.

En definitiva, al progresivo se le da muy bien retomar la orquestalidad del XIX, actualizar el clasicismo desde los instrumentos eléctricos y electrónicos, o resucitar compases de corchea como el 5/8, 9/8, 11/8, pero, está claro, la Teoría de los Géneros, no se le da nada bien. Bueno… ¿y a quién, dentro del rock?

Este artículo pretende paliar vuestras infinitas discusiones con los amigos en bares, foros, locales de ensayo… sobre qué grupo hace qué estilo de música. Y probablemente nunca os pondréis de acuerdo.

 En resumen, este pantagruélico texto no es más que para sostener una cosa: que el progresivo no es una manera de sonar, es una forma de ser. Y no lo pienso por darme el gusto de… dar trascendencia a algo a lo que dedico mi tiempo en este blog, sino por todo lo anteriormente dicho. Por cuestión de sonoridad, es muy difícil ponerse de acuerdo.Es como si clasificásemos la pintura según sus colores, o la poesía según las putas letras.

Casi sería más interesante hablar de categorías estéticas.  Y si lo hacemos, podríamos afirmar que el progresivo prototípico es un nuevo esteta musical, un sublime histérico. Y por supuesto, no abunda, ni es claramente señalable, está difuso. Podría hablarse de una nueva vanguardia, pero ya sobre todo para aquellos que elaboran Metal Extremo, Death Metal…

 Si alguien no entiende qué demonios mueve a una persona a cultivar estas artes, léase la siguiente cita:

Sigmund Freud, Lo Siniestro:

«mucho de lo que sería siniestro en la vida real no lo es en la poesía

(o en el arte en general); además, la ficción dispone de muchos medios para provocar efectos siniestros que no existen en la real».

 Esto parece evocar a la categoría de “Evasión”. Arte por evasión. Pero hablamos de Vanguardia. Evasión y Vanguardia entran en este submundo musical, y se dan la mano.  ¿No es una paradoja? No sé...

El metal progresivo no está exento de mensajes sociales comprometidos. Mensajes cargados de poesía, ilusión o conciencia, pero también abstracción, crudeza, realismo... Lo que muestro ahora son dos corazonadas con mucha madurez, buena producción, y mejores intenciones. Dos canciones que, casualmente, me han llenado dos épocas vacías del último año. El sentimiento vertido en estas canciones rebosa por todas partes.

 Beneath the Waves - Ayreon (2008) (bajo las olas)

http://es.youtube.com/watch?v=VYEzZyLyzlM

 The Human Stain - Kamelot (2007) (la mancha del ser humano)

http://es.youtube.com/watch?v=4n3LobCY5HE

En Sevilla, Evassion publicó Gritos de la Tierra, alegato de tendencia ecologista. Pero también, muy cerca de aquí, los malagueños Abyss en 2004 publicaron Sin Ángeles, disco inundado también un claro matiz humanista, con canciones como A Costa da Morte.

Sin embargo, pocas veces se llega a la madurez de la expresión reivindicativa de la música, como con los dos ejemplos citados.

...Cause it hurts to be alive, my friend,

In this masquerade where all one day must die...

Etiquetas: Ayreon, Kamelot, Desarrollo, Sostenible, Ecología

***
Adagio es una pieza musical cuyo tempo es lento. Generalmente se llama así al segundo o tercer movimiento de una sinfonía o un concierto. Es un movimiento musical tenue, cargado de misticismo, para ilustrar un ambiente calmado pero decadente. Considerado de una extraordinaria elegancia, y de un carácter sumamente lírico.
***

La banda gala de metal progresivo Adagio hace honor a su nombre.

El número de registros musicales de esta banda francesa aumenta con Dominate, disco publicado en 2007. Si ya mezclaron en Underworld (2003) neoclasicismo y barroco; pasajes sinfónico-corales con las más oscuras tramas de piano que colapsan la tonalidad; registros altos y cantos melódicos con death growls o voces guturales… Pues ahora vuelven para dar un paso más. Y ese es el principio de la genialidad de Stephan Forté, la variedad. Un nombre que deberíais memorizar si no lo conocéis. El líder, guitarrista y compositor de Adagio, es uno de los más originales músicos del progresivo contemporáneo. Stephan es un heredero de los primeros dilucidadores de la música tonal, como Wagner, Liszt, las tensiones tonales de Mahler, o los innovadores rusos como Mussorsgsky, Borodin o Rimski-Korsakov, sin llegar al dodecafonismo de Schoenberg (no todo esbozo atonal es dodecafónico).

Adagio no utiliza todo esto, pero lo asume. Y se asume al escucharlos. De igual manera, consigue crear un puente entre el progresivo y el death metal como pocos han hecho (Lanfear ha introducido voces guturales con no muy buenos resultados, Rhapsody abandonó aquel sonido tempranamente…, Isis juega con ello también… son miles).

Dicha cualidad de Stephan por la variedad musical también es a veces negativa, por la dispareidad de matices que se han introducido en Dominate. Me explico: Fire Forever, primera canción del disco, no es propia de esta banda. Pero es una pieza brillante de Power Metal, que no está carente de una lectura humorística (escuchad este archivo haciendo clic para descargarlo)... Poniéndome de nuevo serio, concluyo que este track es más digno de Angra o Helloween que de Symphony X, grupo con el que a menudo les comparan. Fire Forever gusta, pero no encaja, por mucho que lo queramos. Y siendo el primer corte de Dominate, establece ideas falsas sobre el verdadero carácter del álbum, el cual por cierto, me parece el mejor hasta la fecha de la banda, pese a que no he encontrado opiniones en Internet que estén de acuerdo conmigo.
Esperamos que, de una vez, Adagio se consagre como banda. Stephan, Kevin, Gus, Franck y Eric son la actual formación, pero desde 1997 han pasado músicos como omo el batería Dirk Bruinenberg (Elegy), el vocalista David Readman (Pink Cream 69) o incluso Richard Andersson (Time Requiem) para la grabacón de Sanctus Ignis.

Este artículo se publica a falta de muy poco para la llegada de Archangels in Black, próximo disco de Adagio. Y seguramente deje muy claro quién está imponiendo las normas en Francia en torno al progressive metal. Yo al menos espero que mantengan esa esencia de "armonía suspendida".

Pero, ¿Qué otros grupos tenemos allí? No demasiados, aunque comparado con España, nos resulta envidiable. Podrían enumerarse las siguientes:

- Alkemyst: Una nueva promesa (oficial desde 2003) que a muchos encanta. http://www.myspace.com/alkemystmusic. Es un power-speed que no busca (ya lo harán) la innovación del sonido.

- Anthropia: No termino de cogerles el gustillo. Les falla el sonido, la producción.

- Enneade: MySpace. Tienen una página web diseñadísima (http://enneade.free.fr). Su caos progresivo interno cuesta un poco, como le pasa a muchas de estas bandas, cuyo carácter se define por sonar a lo que ya existe.
- Hyskal: MySpace. Elegancia y fuerza. Y EN LA LENGUA MATERNA, nada de inglés. Por fin los franceses oyen algo con un sonido puramente propio. Muchos deberían tomar nota.

- Lalu: Oníric Metal (2005): Encasillarlos en el Metal Progresivo como se tiende a hacer me parece un error. Su nombre hace referencia a un pseudogénero al que esta banda parece adjuntarse. Pero suena más a heavy metal manierista, que a progresivo “onírico”. En cualquier caso, el pianista Vivien Lalu, y otros grandes músicos (excomponente de Devin Townsend Band, Ryan Van Poederooyen, y Russell Bergquist, de Annihilator), pretenden dar una vuelta de tuerca más.

- Lord of the Mushrooms. Seven Deadly Songs (2005). Es curioso que con ese nombre, este disco contenga 10 tracks. Cada uno refleja un sentimiento. Suena más techno. En su MySpace podéis inundaros del sonido

- Lux Aeterna: MySpace. Imposibles de encontrar fuera de España. No los busquéis en eMule. Están trabajando actualmente, y tal vez nos sorprendan.

- Manigance: Otro de mis favoritos, en la voz autóctona, y acaban de publicar (2008) Tout ce que les Gens Savent.

- Northwinds: Entre mis favoritos de Francia.
- Parallaxe: Que significa “paralaje”, término astronómico (Paralelo + Eje) para medir distancias entre estrellas. Escuchad esta banda instrumental cuando queráis relajar la mente desde un sonido envolvente, cálido, y motivacional. Relaja pero despierta. Dualidad que casi exclusivamente puede concebirse en el progresivo.
- Patrick Rondat: mítico y conocidísimo virtuoso que no necesita presentación, pues lleva décadas deleitando oídos adictos al barroquismo de su obra. No siendo metal progresivo, es imprescindible citarlo.

Ah, y desde aquí un saludo a una pequeña-gran banda: Osmosaerum. Mismo país y género.

De momento es todo. Algunos han quedado fuera, pero no pertenecen exclusivamente al metal progresivo: como Aabsinthe, Dirge, Gojira, Year of No Light, Carcariass...Muchos otros permanecerán morando en la oscuridad para siempre .

En esta ocasión toca un poco de morralla teórico-semiótica sobre la música. Tragad saliva ante este artículo y pensad... ¿Teoría Comunicativa sobre la Música? No existe NADA, sólo ambiguos ensayos, breves exposiciones, y algún que otro profeta solipsista*. Una extensa bibliografía que apenas aporta mucho. Dice Gerard Vilar (profesor de Estética y Teoría de las Artes en Barcelona), refiriéndose a esto:

«Como un chimpancé hojeando La Divina Comedia, el filósofo se rasca la cabeza y el sobaco sin conseguir apenas algún resultado más allá de cuatro obviedades y lugares comunes».

Si queremos hablar de autores contemporáneos sobre esto, y lo haremos aquí, habría que comenzar por Theodor Adorno escribió Sobre la música en 1978, entre otros proyectos e intentos de entender el arte más irracional y alejado de lo lógico y lo inteligible. Filosofía y Música son dos objetos que no distan demasiado uno del otro en la forma de comprenderse ambos. Y Adorno era un experto en ambas entidades histórico-sociales. Pese a que no utilizaba la herramienta del lenguaje tanto como mecanismo de comprensión sino de distinción (para ponerse en un plano superior de pensador e intelectualote), Adorno era un puto genio.

¿Es la música, dentro de todas las artes, el vehículo más directo y "puro" en la búsqueda de la trascendencia hacia un plano supraterrenal, hacia la transmutación de valores metafísicos o hacia alguna esencia humana? ¿Es la música acto y reflejo de las máximas y las mínimas expresiones humanas? o ¿Es un "misterio indescifrable de la cultura humana"? Esto último no, para Adorno. Simplemente, es una forma de conocimiento no discursivo, con una gran carga mimética*, y con otra carga de abstracción momentánea. O según él:

«A la música que hoy pretenda legitimidad se le debe exigir lo que podríamos llamar un carácter cognitivo». «La música de entretenimiento planificada industrialmente [...] son productos culturales que traicionan o atacan directamente a la libre individualidad.

La música es una expresión distinta a otras artes, no en términos de superioridad, sacralizad, capacidad o expresividad, sino sencillamente de otro plano, de otro lenguaje al que, en culturas como la nuestra, Occidente, tan figurativa, representativa, tan gráfica, tan explícita, nos cuesta más conocer.

«En comparación con el lenguaje significativo, la música sólo es lenguaje en tanto que de un tipo completamente diferente. En él yace el aspecto teológico de la música. Lo que ella dice se encuentra a la vez determinado y oculto en la afirmación. Su idea es la figura del nombre divino. Es oración desmitologizada, liberada de la magia de la influencia; es el intento humano, vano como siempre, de nombrar el nombre mismo, en vez de comunicar significados».

Explicar la música en términos semiótico, matemáticos, microfísicas, sería como tratar de entender la «mera textura fenomenal de sonidos», llegando así a sólo percibir caleidoscopios acústicos.

Nada de eso.

La comprensión final de la música reside en su interpretación, por encima de lo que para otras artes resulta su ejecución.

Pero después de esto... ¿Cuál es el telos o finalidad de la música? Este nudo gordiano (...este Gordian Knot...) que no puede descubrirse bajo la mirada al detalle del analista, lo desenreda en el plato genérico y general Adorno, cuando habla de Trama Musical. Se habla en lugar de Trama, también de: Contenido musical, Expresión Difundida, Formas Sonoras Animadas... La idea de todo esto es que la música no conoce el concepto, sin embargo, ésta se halla muy cerca del propio conocimiento, de la abstracción formal y del sentimiento primitivo. Este sentido primitivo, de ritual, hipnotizador, se percibe en un doble bombo, en la imposibilidad de advertir tal cual un ‘barrido' de guitarra, o en la simpleza cautivadora de una secuencia melódica, que nos transmuta unas emociones únicas, nuestras, incompartibles...

Por tanto se puede suponer que la pretensión de extraer ideas universales sobre Música o Conocimiento es cliché y tabú. Es un fracaso compartido, traerse a casa lo imposible... La pertinencia musical es un resultado de su forma estética per se. Es el precio que tiene que pagar por no poder ofrecer un mensaje cerrado exacto, de carácter auténtico.

Por tanto, concluye Adorno: «Su semejanza con el lenguaje se cumple mediante su distanciamiento de él».

«El argumento apologético, según el cual en la historia de la música siempre se ha desarrollado una dimensión unilateralmente a costa de las otras, no tiene mucho peso».

La música debe ser reflexionada y compuesta hasta el agotamiento, añade el pensador americano, porque ésta se halla frente a una aporía. Una dicotomía de búsqueda de lo simple y lo complejo a la vez. El arte musical aparece en su impulso mimético y en su carácter libre de convenciones generales, como algo monadológico*.

Mientras tanto, la música nos sigue mirando con ojos vacíos... como los de una máscara maya que oculta tras de sí un conocimiento incognoscible, una realidad olvidada...

-------

Monadología: inventado por Leibniz: átomos formales que no son físicos, sino metafísicos. Aquí se atiende al carácter fractal de la música.

Mimesis: Imitación de la naturaleza.

Solipsismo: Creencia metafísica de que lo único de lo que podemos estar seguros es de la existencia de nuestra propia mente, y la realidad que aparentemente nos rodea es incognoscible y puede no ser más que parte de los estados mentales del propio Yo.

«La música mira con ojos vacíos a quien la escucha, y cuando más profundamente se sumerge uno en ella, más incomprensible resulta lo que ella deba ser, hasta que uno aprende que la respuesta, si es que una respuesta así es posible, no yace en la contemplación, sino en la interpretación: es decir, que sólo resuelve el enigma de la música quien sabe tocarla correctamente, como un todo. Su enigma se burla del que la contempla seduciéndolo para que hipostasíe como Ser lo que no es sino ejecución, un devenir, y en tanto que devenir humano, un comportarse».

Theodor Adorno - Sobre la Música

Descubriendo la quimera que es la música... Próximamente.

Etiquetas: Adorno, Música, ontología

…hay cosas posibles que crees imposibles…

…hay cosas tangibles que crees intangibles…

Maurits Cornelis Escher … ¿le conocéis ya? Creó a partir de la expresión surrealista, un modo de representación del espacio que parecía irreal, pero ahí estaba. 2D y 3D, grabados, dibujos y maquetas para dar a entender que nuestro conocimiento está limitado por nuestra percepción. Y que la apariencia es baladí .

Creemos lo que percibimos a través de lo que esperamos ver.

Walter Lippman nos dio la metáfora de que el conocimiento es una linterna que ilumina espacios de la realidad. El prejuicio es una condición sine quae non del ser humano. Inevitable pero imprescindible.

Escher nos transmutó desde el arte pictórico, la intangibilidad, la potencia de la no figuración en la pintura, para demostrar que la apreciación es relativa.

Heidegger decía que no tenemos acceso real a casi nada, porque todo lo hacemos limitados por nuestros sentidos y nuestra physis. Además, el acceso virtual en nuestra sociedad mediatizada es aun mayor: Internet, TV, Cine… Interacción virtualizada.

            Pero a la idea que iba es que algunos músicos pueden crear melodías inimaginables como las pinturas de Escher. La otra noche alcancé el nirvana sensorial que me produjo la masa enfervorecida de un concierto de metal progresivo. Bueno… Masa y Progresivo: Menudo Oxímorom. Pero es un caso de contradicción de una regla universal o factor de apreciación humano: Que nos medimos a nosotros mismos por nuestra semejanza con seres cercanos, y a la vez estamos obsesionados en diferenciarnos de la masa. ¡Las dos cosas juntas son posibles! Empatía y Egoísmo. Como Globalización e Individualización (que serían las enfermedades de ambos casos).

El hombre es masa, pero aspira a ser algo más. De ahí esa dualidad, que halla su sincretismo a través del factor de Interacción.

Uno de los objetos utilizados en la diferenciación del Yo con el Mundo es la música.

Transmutar valores inmateriales, intangibles, debe ser un fin en todo acto de comunicación humano. E incluso a través de la música se puede. La música también tiene una apreciación intangible, más allá del gusto, de la sensación o la emotividad.

 La música contemporánea se halla ante una aporía, antinomia, paradoja, entre la intangibilidad y la simplificación, entre la evolutividad y el retroceso. Y esto se traduce en una actual situación de impasse, ya veremos por cuanto tiempo.

Dream Theater actuó el pasado 3 de noviembre en Madrid. Los teclados al borde del escenario de Rudess se unían con las vibraciones de mi camiseta provocada por un Portnoy que proyectaba escupitajos progresivos y maldecía “Muchas Fucking Grassias”, detrás de un Labrie que corría por el escenario y Petrucci demostraba que era de otro mundo. Se rozaron los límites de la espectacularidad, hasta causar un “desmayo mental” general de los presentes en oleadas de babeo silencioso.

Pese a que en resumen, hay casi una obra de arte para cada forma de entenderlo, creo que cualquier persona debería alguna vez sentir estas emociones o sensaciones, en cualquier caso intangibles, en torno a la música.

*Oxímorom: término Karelio del siglo XIII. Es la presentación de dos términos contrapuestos para crear por medio de la paradoja un nuevo sentido. Ej: “luz oscura”, “inteligencia militar”.

Etiquetas: Escher, Dream, Theater, Intangible

No puedo sino entenderla dicotómicamente. El Ying y el Yang… La búsqueda del acorde más difícil del mundo por parte de algunos, frente a la prolapsis* mental de otros, faranduleros de la música.

El posmodernismo: un theatrum mundi caótico de cultura de los “neos”, “remakes”, de kitsch generalizado, de abundante relativismo, de protervos intereses normalizados incluso en el arte…

Todo puede ser válido. Todo puede justificarse como hermoso o como horrible. Por supuesto, también las dos cosas unidas.

La delgada línea que separa los polos opuestos, antípodas sensoriales, antitéticos métodos artísticos, se da más aún en el arte más abstracto: en la Música…

…Esa aritmética del sonido, ese juego de física de la comunicación más abstracta, esa arquitecta de lo intangible... El ente que comunica al ser humano con el único Más Allá posible: el núcleo de su propia eikasia (fantasía).

Es decir, la música es la mayor catarsis, si se aprovecha bien. Funciona propagandística-científica-física-emotiva-psicológica-críticamente muy bien para actos comunicativos entre personas.

Echando un vistazo panóptico a la actualidad sobre la evolución del sonido, descubro (es una evidencia) que en las últimas décadas, la Acústica (o Ciencia del Sonido) ha conseguido la posibilidad de crear tanta variedad sonora como seres humanos existen en la tierra. El enorme universo de la creación digital no ha hecho más que comenzar. Y no hay dos oídos iguales, pero tampoco la necesidad de dos sonidos iguales. Esto demuestra que, al igual que en el terreno de la Ciencia Visual, es posible conseguir cualquier cosa. Cualquier cosa.

Pero, en lugar de eso, la percepción cognitiva de la amplia masa no es más rica que hace 30 años. La música resulta ser pobre, repetitiva, propagandística, barata, comprimida, monótona (y monotonal)...

Definir la Música es algo que se ha resistido a la tarea de filósofos, sociólogos, antropólogos, etc. Dice Gerard Vilar, profesor y filósofo de la Universidad Autónoma de Barcelona: «Como un chimpancé hojeando La Divina Comedia, el filósofo se rasca la cabeza y el sobaco sin conseguir apenas algún resultado más allá de cuatro obviedades y lugares comunes».

Si tuvieramos que empezar a construir pilares cognitivos de la Música, apuesto por decir de esta que es una Entidad Histórico-Social de conocimiento no discursivo, figurativo-débil cuyo uso está dualizado en una práctica artístico-funcional.  

Su estudio requiere una mayor labor intelectual. Muchos la categorizan dentro de las "ciencias o misterios indescifrables de la cultura humana". 

Abstrayendo el objeto de estudio, podríamos afirmar que no hay Música, sino ruido y silencio. Y una Cultura que asigna entidades, y como tal, te asigna qué es música.

Pero me sigo preguntando ¿Qué es la música? Continuaré más adelante.

Aún recuerdo cuando de joven, sufrí una “metalmorfosis”.

Sin más estúpidos aderezos, hoy digo: Adiós, Heavy Metal.

Hoy, soy un neófito de la música progresiva. Y su inextricable sonido es mi Catarsis. Es sólo que no puedo comprender por qué...

*Prolapsis: Es, generalizando malamente, una caída o salida de una parte de un órgano o de una víscera. Enfermedad metaforizada en este artículo, con respecto a la escasa inteligencia de algunos pseudoartistas.

Etiquetas: metalmorfosis, catarsis, eikasia, música, theatrum, mundi, metal, progresivo

Sergio Guillén Barrantes y Andrés Puente Gómez unieron sus vidas cuando descubrieron su mutua afición catártica y obsesión por el rock progresivo. Así, escribieron Radiografía del Rock Experimental: De la psicodelia a la actualidad del rock progresivo.

Desde 1967 hasta 2005, se pincelan los principales discos, año por año, con breves descripciones, en dosis homeopáticas. Se incluye:

-         Una guía de contenido por capítulos.

-         Imágenes (en blanco y negro) de portadas de discos y artistas (por cada año).

-         Información Externa: Bibliografía, Páginas Web, y un completo índice alfabético.

Es especialmente interesante el comienzo, la definición de rock progresivo, y tomando por cita a los Brincos, que hicieron hincapié en la necesidad de hacer un rock que a la vez fuera virtuoso y elaborado, que suponga un “progreso”, pero también audible por las masas, por cualquier oído. Una dualidad necesaria.

Sin embargo, se cae en la entelequia de no incluir el Metal Progresivo como género autónomo, siendo sin embargo una variante del progresivo muy presente en Radiografía del Rock Experimental… El Metal Progresivo debe estar ‘incardinado’ dentro del rock progresivo cabalmente, en un guión aparte, como lo está el Jazz-Rock, el Kraut-Rock, el Neo, el Sinfónico, el Sonido Canterbury… Si se habla apartadamente de algo tan exiguo como el estilo “Zeuhl Rock”, ¿por qué no se ha desvinculado el Metal Progresivo del Rock Progresivo genérico?

En resumen, es un genial libro de consulta, antes que ahogarnos en Internet. Este compendio mitiga búsquedas vacías en la red, y proporciona ideas claves y claras, bastante acertadas en la mayoría de las ocasiones. Se incluyen bandas no muy conocidas de últimos años, como Overlife, Meshuggah, Nexus… pero faltan los últimos eslabones de este género: los recientes Spheric Universe Experience, Pagan´s Mind, Andrómeda, Dali´s Dilemma… Abre las puertas a los recién iniciados y refresca la memoria a los veteranísimos. Muy recomendable para nuestras bibliotecas melómanas.

Etiquetas: Radiografía, del, Rock, Experimental, Sergio, Guillén, Barrantes, Andrés, Puente, Gómez

El Surrealismo y el Rock Progresivo: un tándem de géneros artísticos en relaciones promiscuas. Todo un aldabanazo a la puerta del racionalismo, desde el exegeta Dali hasta la genial impostación de voz de Mikael Akerfeldt en Opeth.

El rock progresivo es un sobrecargamiento del tradicional rock, convirtiendo la estructura musical en un conglomerado barroco, con fines críticos en el 99% de las ocasiones. El rock progresivo es reivindicativo, es despierto, aunque continuamente esté soñando. Soñar despierto. El surrealismo es más de lo mismo, sin esa saturación de motivos, y sin ser siempre crítico, pero muy unido al sentimiento revolucionario, todo lo contrario que podía suceder con las ostentosas manifestaciones del Barroco originario: religioso, contrarreformista, ultracatólico, y por ende, conservador. Es decir... se le ha dado la vuelta a la expresión de una manifestación artística: la ostentación. Ostentación armoniosa.

Ambos géneros se unen en el producto final del CD. Música y Portada. Yes nunca hubiera sido lo mismo sin las portadas que diseñó Roger Dean, y la obra en general del dibujante tampoco, después de haber escuchado al quinteto británico. Igual que Paul Whitehead en Génesis, tras lo que se asoció totalmente al diseño de portadas de Rock Progresivo.

En cuanto a diseño de portadas, Derek Riggs es para el Heavy Metal el portadista más solicitado. Creador de Eddie, mascota de Iron Maiden, sus diseños son oscuros y con una simbología fantástica, de horror y mística, renovando el estilo de Roger Dean.

De Luís Royo todos conocemos algo en el ámbito hispano. Hablar de él es introducirse en otras artes pero la estética está innegablemente vinculada.

Sin embargo se hace claramente transparente su influencia del mundo fantástico, al igual que Derek pero de una manera más profunda. Eroticismo, magia, psicología humana, es en conjunto una forma mixta de sentir cultural que se está configurando en las últimas dos décadas y que algunos concluirán con que se trata del renacer Gótico, otros lo llevarán hasta el Death Metal, y aquí se pretende hacer patente otra rama: el Progresivo.

En cuanto al surrealismo, se podrían dar aquí las ramas autores y evoluciones más interesantes, Renne Magrite, Ponç, Guinovart, Varo, Max Ernst, Eduardo Naranjo... pero en lugar de eso voy a ofrecer el Surrealismo de Calle, el que hacen esos pequeños grandes diseñadores en Deviantart. Hay auténticas genialidades.

Portadistas también hay cientos de, donde la escuela o rama alemana me sigue pareciendo la más original. Markus Mayer, (Kreator, Nightwish...), Erwin Munsters,

Mattias Noren (Evergrey, Into Eternity, Andromeda, Lost Horizon, Wolverine, etc, etc...), tal vez el portadista de Metal Progresivo al que mayor legado debemos. Suizo tenía que ser. Puro ProgArt desde que comenzó en serio en 1999.

Travis Smith (Opeth, Psychotic Waltz, Death, Riverside...),

Gyula Havancsak (Annihilator, Therion, Grave Digger...)... ...

----------------

A veces es curioso pensar como el arte que está considerado como el más emotivo, el más irracional, el que mas juego es capaz de dar, es el menos estudiado. Es de párvulo entender que no hay grandes semióticos ni detallados sociólogos ni siquiera escrupulosos historiadores aún sobre la música contemporánea de este tipo. Pero es de pábulo entender que también existen corrientes "culturales" como el surrealismo musical. También existe la aberración caricaturesca del esperpento en los arreglos melódicos de muchos Ubermenschs de la música. Y del rock. Descoordinación, Desorientación, Disonancia, Deformación... El juego estocástico de la música. Y su versión más agresiva, el metal progresivo, también quiere jugar a hacer eso, y desde hace algo más de una década, lo está consiguiendo.

A día de hoy, todavía muchos (incluso seguidores del progresivo) minimizan, segundan, o marginan la figura del teclista-pianista (una cosa u otra, y las dos) en grupos de rock, heavy, progresivo... Sin embargo, jerarquizar los instrumentos no tiene sentido en muchas ocasiones. ¿Qué son Yes sin Rick Wakeman, Dream Theater sin Jordan Rudess o Symphony X sin Michael Pinnella? Lo mismo que sería Opeth sin Martin Mendez, su bajista, Queensryche sin su vocalista Geoff Tate... El teclista es un pilar más. Cierto es que la guitarra es el instrumento rey, por sus capacidades, por la estética que desprende, y por los grandes músicos que la han convertido en una doncella de metal, en una reina del sonido. Pero las 58 teclas blancas y 36 teclas negras no son prescindibles para ningún músico contemporáneo concienciado. Tampoco debe serlo por tanto para las audiencias.

Sin embargo, a efectos prácticos sigue en segundo plano la figura del teclista: las cámaras de los conciertos no captan a los teclistas en sus solos más complicados, a veces ni aparecen casi, y cuando o hacen es en la lejanía del escenario. El teclista es aquella sombra difusa tras el nitrógeno líquido de los conciertos. El teclista es aquel qlue se mete las manos en los bolsillos casi siempre cuando el resto del grupo firma autógrafos. Jon Lord debería tener un cámara para el sólo, como Ritchie Blackmore la ha tenido siempre, y Jordan Rudess otro cámara que grabe sus ejecuciones, como John Petrucci lo tiene a sus pies, y así sucesivamente. Y preferiblemente desde un punto de vista cenital, para que los fans valoren el talento de esos teclistas. Pues no todos utilizan soportes móviles para que se les aprecie mejor. Pues perder de vista los dedos de estos genios es perderse uno de los mayores atractivos de estas bandas.

¿Los teclados son ambientales? No, no siempre. Casi nunca. Pero las reseñas de discos vienen a coincidir todas en la terminología. "Los ambientes de Pinnella", "los dibujos que traza Manuel Ramil (WarCry)" "los paisajes recreados de..." Pero no es así en muchas ocasiones. Hay que diferenciar:

- Al teclista que compite, iguala, o supera al guitarrista. Dobla solos, acompaña melodías... sin él, la canción es totalmente distinta.

- Al teclista que, efectivamente, es creador de atmósferas. Sin él, la canción puede funcionar aunque suene algo hueca, vacía.

La palabra teclista da 292.000 resultados en Google (cuando realicé búsqueda). Tecladista (que es un término más exacto, pues teclista se puede referir a varios conceptos, y además, tecladista se utiliza mucho en Latinoamérica) 566.000.

La palabra guitarrista da 3.570.000 resultados en Google (cuando realicé búsqueda).

Keyboardist ofrece 2.490.000 resultados.

Guitarist 19.400.000 resultados.

Son datos curiosos que demuestran la jerarquización dada en los instrumentos.

Centrándome en el Metal Progresivo, es para mi Jordan Rudess el teclista virtuoso con más capacidad para inventar mundos nuevos en nuestros oídos. Sus composiciones son en sí un Manifiesto Progresivo. Ya lo hacía Derek Sherinian cuando ocupaba su puesto en Dream Theater pero más ácidamente. Rudess sin embargo tradujo los teclados en sueños lisérgico-surrealistas de traviesa fantasía.

El ucraniano Vitalij Kuprij es todo un ejemplo, en su banda Artension, de cómo el teclista puede liderar una banda y convertir su sonido en un mareante virtuosismo, en un paroxismo musical, llevando el neoclásico fusionado con el metal progresivo a extremos únicos. O no tan únicos. Eric Norlander (Rocket Scientists), es el sucesor sonoro de Keith Emerson. Sus obras son atrevidos intentos de prescindir de las guitarras. Es el caso de Threshold. Como haría Michael Pinnella en Enter By The Twelfth Gate. Richard Andersson, es otro sinónimo de virtuosismo neoclásico. El barroquismo musical adquiere nuevas arquitecturas en sus manos.

Y así una larga lista que aquí un seguidor aún desconoce, desde los más grandes en los setenta (Cyrille Verdeaux: con Clearlight Symphony...)

Y es que sois, teclistas del rock, la quintaesencia, la piedra angular y la alquimia del metal progresivo. Y, me gusta decirlo, a veces soy más que eso. A vuestros pies, Fred Colombo (Spheric Universe Experience), Ronny Tegner (Pagan´s Mind), Martin Hedin (Andromeda)...

Y en cuanto a los españoles, también me inclinaría ante Jesús Franco (Time Simmetry), Sergio Sánchez (Overlife), Germán Villén (Abyss), y más lejanamente, aquel Benet Nogue (Atila).

Pequeños datos e historia sobre sintetizadores: http://elastico.net/archives/2004/12/ese_pedazo_de_o.html

Órgano Hammond: http://es.wikipedia.org/wiki/Órgano_Hammond

Pinchar en la imagen para descargar sample de metalprogresivo.blogia.com

Descarga de la Imagen de Portada en Alta Resolución.

Etiquetas: teclistas, keyboardists, progressive, metal, progresivo